But the only thing predictable about life is its unpredictability. （但是關於生命，唯一可預測的，是它的不可預測性。） ──《料理鼠王》（Ratatouille），2007

20多年前曾經在一個實驗國小的教室門口，看到小學生陸續下課。那是一個插花課，每個小學生手上都捧著一個花盆，每個人的花盆、花材、最後做出的插花造型，都一模一樣。這個藝術課程是一般小學稀有的，竟然還是填鴨式的教學。如此違反人性的教學，卻是台灣所謂的藝術教育。

當今台灣大多的攝影教學法，仍然是填鴨式的，把學生教成同質的思維，很可能許多初學者的創意早早被扼殺。令人想起1961年鍾肇政的小說、也就是1989年電影《魯冰花》的學校故事。如今2020年的台灣攝影面對的主要問題，仍然是抹煞另類想法的填鴨式教學。奇妙的是，許多攝影學生似乎有了斯德哥爾摩症候群，對於教師給予的填鴨式教學仍是滿心歡喜。

從初等教育到成人教育，台灣教育體制偏重理工，忽視人文與藝術教育，也就是重視科學技能，而輕視人性的智能、知覺、倫理的培養。許多台灣父母要求孩子努力讀書就好，其他世事不管；只要功成名就、發財致富、光宗耀祖，不在乎孩子的人性是如何被養成。

當今攝影科技普及，人人隨時隨地攝影與傳播，因此有眾多攝影者。但是，大多的台灣攝影者，從小就極少機會接觸到藝術教育的智能感知的培養，使得許多攝影者缺乏自主思考與想像創造的能力。

大多台灣攝影作品的封閉、單質、墨守成規，拒絕開放的思維，缺乏活潑的另類想像，這些都與人文與藝術教育的缺乏有關，尤其是懂得教育的專業攝影師資非常稀少。當我們經常恨鐵不成鋼的、慨嘆當代的台灣攝影眾多問題，這些問題的源頭，就是在於人文與藝術教育的這個養成基礎是匱乏的，使得許多攝影者的人文藝術的知識與價值觀非常薄弱。

然而，另一方面，各地方政府卻又喜愛舉辦低成本的各種攝影比賽與「美展」，美其名是推廣藝術文化。眾所周知，大多攝影比賽是妝點地方政府的宣傳工具，例如「台灣之美」這類的比賽活動。如果沒有專業的承辦人員與藝術教育視野，只是把攝影當作例行公事的政績宣傳，攝影終究是用來服務政治目的，無助於教育。

然後，「全國美展」也從美術館拿出中央大旗，說是要促進當代藝術的發展。熱鬧紛紛的各種攝影比賽與「美展」上場，真讓人誤以為台灣是個攝影藝術文化發達的國家。

但是請問，攝影藝術創作人才從哪裡來呢？這些缺乏教育根基、本末倒置、妝點門面的各種攝影比賽與「美展」，到底是在演哪齣？

因為曾經擔任過數次的「美展」評審，看過成千上萬大同小異的參賽作品，經常感覺非常詫異、也非常詭異，為何大多作品的同質性如此之高？難道這些參賽者都來自同一師門？難道他們都彼此模仿抄襲？難道他們的攝影教師，與20多年前那個插花課的教師，也是出自同一師門？

台灣攝影的基礎教育，大多是關於器材與技術，而不是知識與價值觀。很多攝影者因從小缺乏人文與藝術教育，很難自學攝影藝術，但被攝影教師灌輸的是攝影技藝。很多攝影者只能從技藝角度了解攝影，而沒有人文與藝術概念。所以很多攝影比賽或「美展」的聯展，看起來很像是一個人的作品展覽。因為大家重視的是同質的技藝，而不知如何用藝術思考創作、表達自己獨特想法。

藝術教育應該關於培養學生的感知、情感和概念；發掘學生潛在的創造力、激發生活力量的創意；幫助學生尋找心智成長密切相關的「真實體驗」或「生活的世界」，發展出對於「主體」形成方式的好奇與省思，也是重新認識與思考世界的方式。

台灣攝影的問題在於，教育體制缺乏人文與攝影藝術教育，這個教育空缺，卻被眾多的地方攝影比賽與「美展」填補。各種攝影比賽與「美展」無意承擔教育責任，但事實是台灣的攝影教學，大都非常功利主義地圍繞著各種攝影比賽與「美展」的範本而進行。

先進國家的藝術教育是「以學生為中心」，然而台灣的攝影教學是「以美展為中心」，目的不在於培養學生的心智感知、或自主的思考能力。

台灣大多的攝影教學法，抹煞學生的主體，從臨摹抄襲開始，尤其從老師的作品開始模仿。也把「美展」系統的美感形式，當作教學的範本，模仿抄襲以及填鴨式的教學法，成為大多攝影者的攝影入門課程。

因此台灣攝影文化的慣習，很多攝影者不認為模仿抄襲是不道德的，也把攝影藝術窄化為技術與構圖的美美視覺畫面。因為他們認知的攝影藝術只是技藝，無關乎知識與價值觀，況且歷年來很多人都是依靠模仿抄襲而得獎，已是公開的祕密。

攝影教學目的為了攝影比賽與「美展」得獎，然後攝影比賽與「美展」得獎作品成為攝影教學範本；為了得獎採用填鴨式的教學，導致作品同質性的思維，然後同質性的思維，更容易接受填鴨式的教學。速食的功利主義，形成了攝影教學與攝影比賽之間來回的封閉迴路。結果造成攝影者視野狹隘、缺乏創造力、老舊僵化的思維。

這個封閉迴路，遠離了人文與藝術領域的知識與倫理道德。歷年的各種「美展」，大多更像是展示了台灣攝影教學，以及攝影者思維框架的局限性。

台灣的各種攝影比賽與「美展」的評審們，大多也是來自這個系統。因為評審品味偏好，大多來自這些既有的美感範式，所以已經可以預測。歷屆「美展」得獎作品就像是題庫，參賽者考前猜題的命中率頗高。這個功利主義的封閉迴路，吸引更多追逐名利的攝影者，以攝影比賽與「美展」作為目標，而接受速成的填鴨式教學，目的是為了得獎，與其跟著來的名利社會地位。

更大的問題是，「全國美展」偏向「美展」家族，並沒有如同「台北獎」、「高雄獎」脫胎換骨的走出「美展」，而朝向當代的路線，因此「全國美展」無可避免吸引而來的攝影族群，大多還是針對攝影比賽與「美展」而生產的同質思維作品，「全國美展」也因此傾向於對接／獎勵的是封閉迴路的攝影比賽，與「美展」系統的攝影教學。

近年由地方美術館專業人員承辦的「宜蘭獎」、「桃源美展」，也努力轉型朝向當代。政府組織裡被認為應該最有鮮活生命力的藝術機構，似乎逐漸清醒的思考如何回應當代。

歷屆「全國美展」讓我們看到，台灣攝影藝術創作的人才根基是老舊的、空乏的，急需培育的是當代創意的攝影藝術人才。如果最基層的攝影藝術創作人才的培育是失敗的，也就是沒有踏實的建立攝影藝術創作人才的大水庫，那麼在高處美術館的「全國美展」是打算迎接與鼓舞什麼樣的攝影藝術作品？

當代創意的台灣攝影藝術創作者，讓我們看到台灣攝影藝術的未來希望，他們卻是載沉載浮的掙扎尋找可以讓作品曝光的機會。「全國美展」應該獎勵與培育的是當代的攝影藝術創作人才，為台灣攝影藝術的發展，開創新的可能性；拉動台灣攝影藝術發展的潛力，勇敢向前行。而不是持續回頭支援老舊的攝影範式與其背後的攝影教學系統，陷入封閉迴路的同質性與填鴨式教學的無止盡惡夢。

如果與生俱來的創造能力，沒有受到傳統教育的壓制，那麼每個孩子都被認為是有潛力的，從此情景解救出來，每個人都是某種藝術家，即使他們幾乎微不足道，也必須鼓勵他們的特殊能力，為集體生活的無限豐富做出貢獻。 ──Herbert Read《Education through art》，1974。

感謝攝影與藝術界的朋友們，對於第二、三、四篇文章的熱烈回應與分享看法，討論的重點，例如：教育改革、藝術理念、攝影教學機制、攝影比賽現象、藝術政策等。

焦j：The world is often unkind to new talent, new creations. The new needs friends.「新」容易變成「既有的」冒犯者。

林j：看地方美展，常常看一遍展覽，跟看一張作品的感覺是一樣的，雖然都是美美的作品，但心裡的迴響差異並不大。我覺得要發展藝術，得先把哲學教育放到國中課程再說。台灣有人在做（一些大學教授），問題他們還得用私人社團去推行。可能因為環境跟歷史因素吧，因爲理工在台灣是最吃香的，其他方面就被犧牲了。「技術」才是台灣認為最重要的選擇。由全國美展來推動觀念的改革，可能比較符合現實。而且中央一旦改變，自然就會帶動風向。我覺得全國美展的問題是，我們想改革掉舊的，但我們能提供什麼新的呢？也就是全國美展只是結果，文化部能提供什麼樣的新教育內容？創造什麼樣有利於藝術創作的環境？可能是更重要的。

賴hp：我認為推廣應該在學校，總有一天愈來愈多年輕人上來，台灣的攝影圈才有可能提升⋯⋯攝影學會真的只有退休人士的娛樂功能。比賽的結果就是會影響創作者的方向，老師堅決全國美展走向當代我認為是對的，這些一心認真從事藝術創作的人，才有舞台。

楊yj： 個人認為以公辦性比賽而言，「全國美展」似乎是攝影創作者最後一個全國性舞台，基於可提供各類藝術家發表作品的空間及鼓勵後進的原因，我是期望維持原分類不變，但如何導向參賽作品以當代藝術方式被看見，則有賴主辦單位如何延攬優秀評審委員們加入，套句現代網路的語言，評審委員們便可以帶風向，引領作品向當代藝術靠攏。目前世界上仍有以攝影藝術為主的當代大型展覽，如阿爾勒、新加坡、連州、京都等等，各自引領著攝影藝術前進，每年仍吸引著萬千觀眾前去朝聖呢！可見當代與否端看主辦單位的專業認知及態度，純粹分類依然能舞出當代藝術的節奏！

林lc：這從以往的省展以來，好像沒什麼太大改變。既得利益者享受利益，主辦單位懶得改變，結果是沒經驗的、學不專業的，加總成為主流。

李yb：這些文章每個點都是環環相扣的。可是最重要的源頭我覺得還是在於台灣美學教育的不足，我認為這是根源。不解決這個根源，問題永遠存在。 主要是台灣攝影還是活在1950年代，討論當代攝影的網路聲量，遠遠低於討論形式美感，不論是台灣的書籍還是教學，都還在講三分構圖、安瑟亞當斯（Ansel Easton Adams）等等，都是以技法為主。 老師曾說，技法應是為創意服務，當初聽老師說了之後有種恍然大悟的感覺。以前只覺得攝影就是一門技術，別人怎麼拍，我就造表操課來一張，放上各大社群讓大家點點讚，聽聽讚美的話，感覺自己也是大師。因為台灣採填鴨式教育，填對了就能得到分數，自然而然人生就變成了我只要跟著做就好。我曾經也有過一段時間想藉由抄襲去投稿攝影比賽，還好我的理智阻止了我XD。投稿攝影比賽，就想賺錢、想得到名聲，當時就覺得，我看攝影比賽大家也是抄來抄去而已。後來是上了老師的課，有稍稍開了一些眼界，才知道自己是井底之蛙。因為是過來人，所以很了解身在泥淖的攝影界普遍現象。 感覺攝影比賽變成是一種政府與企業的宣傳手段而已，政府辦個攝影比賽歌功頌德一下，企業辦個攝影比賽宣傳形象。再加上台灣有個奇怪的現象，普通人去看當代藝術展覽會被說裝文青，裝高級，不懂裝懂，這也可能造成想入門的人卻步。

陳yc：關於「全國美展」，我一直認為如果能夠入選或得獎就會很有成就感，或是說得到某種肯定。希望全國美展攝影類的作品走向能更豐富，多元的樣子。自己參加了多次比賽，看了多次的得獎作品，才開始覺得還是有某種共同流行的屬性在眾多作品中，這有時讓自己感到困惑。不過一直會記得老師對我說過的，「創作是為了做自己」。

張ys：省展之後，「美展」就是很重要的官方認證的比賽場。在幾個重要「美展」得到好名次，你就可以從nobody變成somebody，人人稱大師。在學會裡，地位就會大不同。要成為學會主要幹部、老師、評審，這些都是必經之路。「美展」過去重要，現在亦然，它是官方認證的。 因國內的學會的攝影人士大都沒有上過專門的攝影藝術學校，他們拼的是經歷（就好像是名犬比賽）、榮銜。「美展」就提供這舞台而且被認為地位崇高。不僅是學會的人，藝術學校的在學或畢業生也是拼此經歷，以後出路才順利，作品才有市場，將來辦個展，得獎經歷陳列展場，便能得到群眾的信服。學會亦然，由學員變幹部變老師，憑的是不斷的比賽的獎，獲得名聲，贏得尊重。如果能得到首獎更是不得了，瞬間變大師，開課、講座跟著來。有些靠攝影吃飯的老師（開課，帶團出國⋯⋯）也是藉此累積名聲，招來學員。這塊市場很大，非外人能想像。 評審更是影響「美展」最重要因素，它起帶風向的作用，但有時水準真的讓人失望。如果要提升「美展」應從評審開始（例如宜蘭獎有一定水準，無論是攝影或其他項目都超過其他美展，應是挑評審維持一定水平，它有它的屬性，學會派的不會投，因為知道不會上）。有水準的評審才能挑出好作品。

林lc： 改變需要時間，先一步步改變觀念，你不説，多數人不會意識到有問題、或者有些人覺得不對勁，但不知道問題核心在哪。

林ch： 對業餘者來說，美展得獎就是一種有别於攝影學會的榮譽感，許多在學會舉足輕重的大老都一定要美展成績。近年冒出一些以參加美展訴求的攝影老師，招攬學生。全國美展走回頭路不止是攝影類而已，全國美展復辦以來，個人無論有無得獎都前往觀看，從油畫、膠彩到水墨都走回頭路，得獎作品都有視覺與形式等賣相很好的特點，觀眾觀看作品根本不需思考，真正前衛有批判性的作品已經愈來愈少看見。全國美展的攝影並無例外也是如此，明白的說就是商業化，以精緻的電腦修圖視覺取勝，全國美展要改革，基本上，個人是不抱持樂觀態度，因它位階在於「國家」級。 至於個人是否再參加全國美展，答案是「會」，畢竟對業餘的作者，因時間空間有限，創作是經過再三思考而成的作品，是在工作以外的自我實踐，得獎與否雖然在意也只能釋懷，重點是撫心自問：清楚自己在做什麼。藝術的核心就是思考，攝影自然也該如此，全國美展搞到目前這樣，用類似政治的角度去看，當代前衛很難去搞定傳統的那些人，但很不幸的，擁抱傳統是大部分的人，全國美展的位階在國家級，他們哪管美術館辦的比賽應該是怎麼樣，他們也要享受國家級的榮耀，你能拿他們怎麼樣？就如同鍾cr說的，除非更換主事者，但⋯⋯可能嗎？誰都不想丟了官位。 全國美展要重新定位真的很難，在其他藝術類別也是如此，尤其是平面類的，狀況也跟攝影差不多，總是能讓人很快就觀看過去，駐足的時間並不多。 社會就是這樣，爭的無外乎名或利，老師您的第四篇談到評審的「不能承受之輕」，參賽全國美展的人是為了國家級的榮譽，相對的，據我所知，某些評審是以參與美展評審為招牌。 即使國美館接受全國美展重新定位𤔡當代性，但問題又回到，專業的當代藝術評審如何界定？誰來評選夠格的評審？是國美館的承辦人員嗎？他們有沒有能力判斷？所以問題最後又陷入無止盡的循環，在看懂和看不懂之間，以及私心與鼓勵之間擺盪，然後又評出一些所謂多元的作品。

（未完待續）